Конечно, было бы бесконечно грустно, если бы мы после дневного пребывания в абсолютно позитивном, блещущем новизной пространстве, оказались бы в другом, не позитивном, старом и надоевшем и, перешагнув порог, испытали бы импульс негатива. Безусловно, такого не должно быть, и мы знаем, что обеспечить должный комфорт человеку должен дизайн. Довольно интересным будет небольшое исследование истории этого термина. Само слово «design» появилось в XVI веке в Европе. Итальянское выражение «disegno intero» означало рожденную у художника и внушенную Богом идею — концепцию произведения искусства. Оксфордский словарь 1588 года дает следующую интерпретацию этого слова: «задуманный человеком план или схема чего-то, что будет реализовано, первый набросок будущего произведения искусства».
В наше время Диза́йн (англ. design замысел, план, намерение, цель и от лат. designare отмерять, намечать) означает творческую деятельность, целью которой является определение формальных качеств промышленных изделий. Эти качества включают и внешние черты изделия, но главным образом те структурные и функциональные взаимосвязи, которые превращают изделие в единое целое, как с точки зрения потребителя, так и с точки зрения изготовителя. Дизайн стремится охватить все аспекты окружающей человека среды, которая обусловлена промышленным производством.
Альтернативные определения термина
Дизайн — творческий метод, процесс и результат художественно-технического проектирования промышленных изделий, их комплексов и систем, ориентированного на достижение наиболее полного соответствия создаваемых объектов и среды в целом, возможностям и потребностям человека, как утилитарным, так и эстетическим.
Дизайн — искусство компоновки, стилистики и украшения.
В середине XX века в профессиональном лексиконе для обозначения формообразования в условиях индустриального производства употреблялось понятие «индустриальный дизайн». Тем самым подчеркивалась его неразрывная связь с промышленным производством и конкретизировалась многозначность термина «дизайн». И многие трактаты по истории дизайна того времени в заголовках содержали уточнение «индустриальный дизайн».
В сентябре 1969 года на конгрессе Международного совета организаций по дизайну было принято следующее определение: «Под термином дизайн понимается творческая деятельность, цель которой определение формальных качеств предметов, производимых промышленностью. Эти качества формы относятся не только к внешнему виду, но главным образом к структурным и функциональным связям, которые превращают систему в целостное единство с точки зрения, как изготовителя, так и потребителя».
Современное представление о дизайне в цивилизованном мире рассматривается гораздо шире, чем промышленное проектирование. И действительно, в любой области созидательной деятельности человека, будь то искусство, строительство или политика мы сталкиваемся с понятием дизайна.
Атомный век в дизайне относится к периоду примерно соответствующему 1940-1960, когда опасения по поводу ядерной войны стали доминировать в западном обществе. Архитектура, промышленное проектирование, коммерческий дизайн (включая рекламу), дизайн интерьера, и изобразительное искусство использовали тематику атомной науки, а также космической эры, которая совпала с этим периодом. Дизайн Атомного века стал популярным и узнаваемым, с использованием атомных мотивов и символов космической эры. Ретро-футуризм в настоящее время является возрождением интереса к дизайну Атомного Века.
Vital формы (Жизненные формы)
Как уже упоминалось выше, жизненные формы так же являются символом Атомного века. В 2001 году в Бруклинском музее искусств состоялась выставка под названием «Актуальные формы: Американское искусство и дизайн в атомный век, 1940-1960". "Жизненные формы", или абстрактные органические формы, были основной темой, мотивом этой выставки.
Жизненные Формы появляются в качестве постоянной темы в дизайне этого периодов начале 1950-х Британские дизайнеры на Совете промышленного дизайна (Coid) продемонстрировали ткани, на которые были нанесены "скелетные формы растений, нарисованные в «тонкой или паучьей графической форме", что отражает явное влияние рентгеновских технологий. Такие ткани получили распространение в поп-культуре. Эти первые образцы оказали влияние на поздние модели Атомного века, которые представляют собой повторы органических форм, похожих на клетки и организмы просматриваемые через микроскоп.
Геометрические атомные модели, которые использовались в текстильной промышленности, промышленных материалах, меламиновых столешниц, посуда и обои, и многие другие предметы, являются символом дизайна атомного века. С наступлением Космической эры в дизайне атомного века начали появляться мотивы звезд и галактики совместно с элементами атомной графики.
Человечество все отчетливей осознавало дилемму – огромные возможности и огромные опасности. Это привело к тому, что наука стала более заметной в господствующей культуре как раз посредством дизайна атомного века. Сами Атомные частицы были воспроизведены в визуальном дизайне, в различных сферах, начиная от архитектуры до узоров на barkcloth.
Barkcloth (Барклов) – наиболее близким переводом, наверное, будет ЛУБЯНАЯ ТКАНЬ. Барклов представляет собой обработанный волокнистый лыковый слой определенных пород деревьев для различного назначения: Broussonetia papyrifera- (бумажное дерево), Artocarpus sp. (хлебное дерево), Ficus sp. (фиговое дерево), Raphia sp. (рафия) — дают лыковый слой, который промыванием и скоблением освобождается от коры и затем выколачиванием с помощью деревянных (Океания) или деревянных и каменных, (Южная Америка, Индонезия) приспособлений, затем посредством колотушек свойлачивается (сбивается в плотное соединение) и в то же время растягивается (например, от 4—8 см до 60—80 см в ширину). Самого широкого распространения и наивысшего совершенства изготовление Лубяной Ткани достигло в Океании и Полинезии (но не в Новой Зеландии, так как там нет подходящих деревьев). Она изготовлялась и продолжает изготовляться в Южной Америке (районы Амазонки), в Индонезии (на Сулавеси) и в некоторых областях Африки южнее Сахары. Самую тонкую Лубяную ткань дает бумажное дерево, которое произрастает на Сулавеси и на островах Полинезии и разводится специально для получения лыка. Крепкая и грубая лубяная ткань получается из дикорастущего фигового дерева, которое используется в Меланезии (совокупность островных групп в Тихом океане, чьи коренные жители не говорят ни на полинезийских, ни на микронезийских языках, а также являются темнокожими). Часто употребляемое для обозначения этой ткани в Океании слово «тапа» имеет полинезийское происхождение и предположительно означает «битый». Это австронезийское понятие «тапа» встречается еще в древних китайских источниках (тапу) для обозначения этого материала. Еще до нашей эры в Китае из лыка бумажного дерева изготовлялась бумага.
С поваленных, а также и со стоящих деревьев кора счищалась полосками с помощью острого инструмента или выколачиванием (обстукиванием). На выколоченном куске можно было сделать надрез и целиком снять кусок с дерева. Нужные длина и ширина кусков тапы достигались различным образом: соединением нескольких полосок лыка при помощи сколачивания вместе их краев, склеиванием и одновременно сколачиванием или смешиванием полос лыка. На деревянных колотушках были вырезаны канавки или рисунок, так что уже во время этой основной обработки получалась тонкая геометрическая фактура полотна. После чего эту ткань оставляли либо в ее натуральной желтой (до коричневатой) окраске, либо отбеливали, выдерживая на солнце, либо окрашивали, окуная в краску, иногда краску наносили с одной стороны. Краску и рисунок наносили в едином рабочем процессе, прижимая к полотну красящий штемпель, втирая рисунок с окрашенного большего деревянного штемпеля или плоского мата из листьев пандануса с привязанными прожилками листьев; использовались также перья для нанесения линий; иногда лубяное полотно разрисовывали кисточками вручную. На Таити также использовали листья и цветы, их окунали в краску и прижимали к полотну. Чтобы удалить из лубяного полотна его сильный натуральный запах, в Полинезии практиковали отдушку соками благовонных растений. В ряде мест промасленными полотнами тапы защищались от дождя. Краски (преимущественно черная, желтая, красная и коричневая) добывались главным образом из растений, а также из глины и сажи. Производство лубяного полотна было повсеместно женской работой, мужчины брали на себя только поставку сырья. Лубяная ткань применялась для одежды, в качестве матов для сна и для еды, для изготовления масок. Полотно белого цвета обозначало объявление табу на определенные культовые места или плодоносящие деревья (Полинезия). В церемониальных целях тапой накрывали изображения богов. Лыковые материалы входили в приданое, и огромные рулоны тапы являлись выражением особого богатства. В повседневной жизни лубяная ткань служила в Океании для самых разных целей, даже как перевязочный материал в виде бинтов и теребленой ваты. Но официально считается, что самая лучшая Barkcloth изготавливались в Уганде на протяжении веков и этот материал является единственным вкладом Уганды в списки ЮНЕСКО нематериального культурного наследия
Сегодня то, что обычно называют "barkcloth ' представляет собой мягкую, густую, слегка текстурированную ткань, названную так, потому что она имеет шероховатую поверхность, как у коры дерева. В наше время barkcloth обычно делается из плотно сплетенных хлопковых волокон.
Гибискус цветочный узор на barkcloth.Fiona Bradley - https://www.flickr.com/photos/blisspix/84765426/sizes/o/
Исторически сложилось так, что ткань была использована в домашней мебели, в таких вещах, как шторы, драпировки, обивка, и чехлы. Такие вещи были широко распространены в 40-е и 60-е года в домашней моде, и обычно на них наносились тропические, «атомные» орнаменты, рисунки и узоры, а так же изображения бумеранга. Эти темы были очень популярными в середине века. Уэверли, знаменитый дизайнерский текстильный дом выпускал подобные ткани для текстиля и настенных покрытий в период между 1923 и 2007 под названием кожа носорога. Американский вариант подобного текстиля – это ткань с золотым люрексом. Она получила название Лас-Вегас, и содержит 65% вискозы, что сделало этот материал мягче, чем кожа носорога или стандартная barkcloth.
1950-е годы barkcloth скатерть с ботаническим дизайном. safetypinheart - https://www.flickr.com/photos/safetypinheart/2905876253/sizes/o/
Гуги (англ. Googie) — футуристичный стиль архитектуры и дизайна США. Альтернативные названия — популюкс (populux) и ду-воп (doo-wop). История происхождения названия «гуги» берёт своё начало в 1949 году. Именно тогда архитектор Джон Лотнер спроектировал в Западном Голливуде кофешоп Googies, имевший типичные архитектурные признаки этого стиля. Словом Гуги называли в семье Лилан К. Бертон, жену владельца кафе Мортимера Бертона. Googies был расположен на углу бульвара Сансет и Кресцент Хайтс в Лос-Анджелесе, но был снесен в 1989 году. Но Гуги стало архитектурным стилем лишь тогда, когда редактор журнала House and Home Дуглас Хаскелл, проезжая мимо остановился на автомашине, и произнес фразу «Это гуги-архитектура». Он ввел термин в массовое употребление после того, как написал статью, которая появилась в журнале в 1952 году.
Алан Хесс, один из основных авторов книг по истории гуги-архитектуры, в своей книге «Гуги: ультрасовременная архитектура обочин» пишет, что движение в Лос-Анджелесе в 1930-е характеризовалось огромным наплывом автомобилей, соответственно сфера услуг стала подстраиваться под их обслуживание. С увеличением количества владельцев машин городам больше не нужно было сосредотачивать всю инфраструктуру в центре, она наоборот начала проникать в пригороды, где бизнес-центры могли перемежаться с жилыми районами. В пригородах было меньше пробок и толкотни, зато были те же самые предприятия, на которых можно было добраться на автомобиле. Вместо одного большого магазина в центре, предприниматели теперь открывали множество мелких в пригородной черте. Это новое явление привело к тому, что владельцам и архитекторам пришлось разрабатывать визуальный облик заведения так, чтобы его можно было легко узнать с дороги. Эта новая архитектура потребления была основана на коммуникации.
Новые, меньшие по размеру пригородные ресторанчики были преимущественно архитектурными вывесками, рекламирующими бизнес транспортным средствам на дороге. Это достигалось использованием смелых вариантов стиля, в том числе огромными колоннами с поднятыми знаками, широкими неоновыми буквами и рекламными павильонами. Хесс пишет, что из-за увеличения массового производства и путешествий в 1930-х, «стримлайн модерн» стал популярен благодаря стремительной энергии, созданной его плавностью. Эти здания отличались закругленными краями, широкими опорами и неоновыми вывесками, символизирующими «невидимые силы скорости и энергии», которые напоминали о движении, принесенном в нашу жизнь машинами, локомотивами и цеппелинами.
«Стримлайн модерн», в частности гуги, ознаменовал своим появлением начало новой эры – автомобилей и других технологий. Услуги для автомобилистов, такие как дайнеры, автокинотеатры и заправочные станции, построенные по одним и тем же принципам, служили новому американскому городу. Эти здания формировали новый автоориентированный дизайн. Их строили в утилитарном стиле, круглыми, с большой парковочной зоной, - так, чтобы всем клиентам удобно было добраться до них со стороны машины. Эти улучшения, направленные на удовлетворение потребителей особенно развились в 1950-х, поскольку в 40-е развитие приостановилось из-за второй мировой войны и возросшей бережливости американского населения.
Развитие ядерной энергии и реальность полета в космос захватили воображение американской публики совсем близким светлым будущим. Гуги-архитектура органично вписалась в этот тренд. По мнению Хесса, коммерческая архитектура находилась под влиянием желаний массовой аудитории. Люди были увлечены космическими кораблями и ядерной энергией, а архитекторы использовали эти мотивы для привлечения внимания. Здания использовались для привлечения внимания водителей еще со времен изобретения автомобиля, но в 1950-е такая практика распространилась повсеместно.
Американскую молодёжь 1950-х, которая выступала основным потребителем предметов в стиле «гуги», вдохновляло широкое распространение автомобилей и реактивной авиации, начало атомной и космической эры. Это было время, проникнутое безграничным оптимизмом. Характерные черты: обилие неона и никеля, изогнутые формы. Гуги-стиль обычно отличается четкими линиями и резкими углами, характерными для космической ракеты. Широко использовались параболические, ракетообразные формы, атомы, метафоры, обозначающие скорость и стремительность, бумеранги, летающие тарелки, обручи (хула-хупы) и т. д. В архитектуре примером может служить башня Спейс-Нидл в Сиэтле. Эта уникальная архитектура была в то время формой экспрессионизма, поскольку ракеты были технологической новинкой.
Общепринятые признаки, которые выделяют гуги из прочих форм архитектуры это: наклонные крыши, расходящиеся под углом. Один из особенных элементов, который архитекторы использовали для создания уникальных зданий. Множество зданий кофеен имеют крышу, которая на 2/3 является перевернутым тупым треугольником. Самым ярким примером было здание Johnie’s Coffee Shop в Лос-Анджелесе.
«Звездные взрывы» - довольно распространенный орнамент для гуги-стиля, он имеет в своей основе увлечение космической эрой. Пожалуй, самым ярким примером является знак «Добро пожаловать в сказочный Лас-Вегас», который известен по всему миру. Эта форма пример неутилитарного дизайна, так как форма звезды не несет в себе никакой функции, а является только элементом украшения.
Редактор Дуглас Хаскелл описывал абстрактный гуги-стиль так: «Если оно выглядит как птица, то это должна быть геометричная птица». Также должно казаться, что здания бросают вызов гравитации. Третьим принципом гуги Хаскелл называл то, что в нем должно быть больше одной темы – больше одной структурной системы..
Гуги в наши дни
После окончания 60-х архитектурное общество редко обращалось к стилю гуги, считая его слишком кричащим и «попсовым», и в 1970-е он был почти полностью забыт. С этого времени коммерческие здания начали наоборот встраиваться в городскую среду и уже к ним не пытались привлечь внимание. Поскольку здания в стиле гуги относились в основном к сфере обслуживания, многие градостроители не видели в них художественной ценности и попросту сносили. Только в 90-х начали предприниматься попытки сохранить здания в этом стиле. .И, к сожалению, многие здания в стиле гуги исчезли. Однако кое- что всё- таки удалось сохранить. Один из дошедших до нас придорожных ресторанов, Harvey's Broiler в городе Дауни, позже Johnie's Broiler был частично снесен в 2006 году. Однако благодаря усилиям жителей города, здание было восстановлено и открыто в 2009 году под названием Bob's Big Boy (Прекрасный пример значимости общественного мнения в США). И кое- что удалось сохранить в изначальном виде. Например, одно из самых известных зданий в стиле гуги - это здание Theme Building в аэропорту Лос-Анджелеса, спроектированное Джеймсом Лангенхеймом и построенное в 1961 году. Так же примером решения в этом стиле является главный терминал Вашингтонского аэропорта имени Даллеса, спроектированный Ээро Саариненом в 1958.
Влияние
Архитектура гуги оказала влияние на ретро-футуризм. В слегка преувеличенном виде она проявилась в калифорнийском Диснейленде. Также архитектура гуги в какой-то мере проявляется в ранних постройках Лас-Вегаса, что обусловлено тем, что многие архитекторы, создававшие кофейни в Лос-Анджелесе поехали в Вегас, чтобы проектировать казино и гостиницы.
Представители стиля
Личность первого архитектора часто оспаривается, но Уэйн МакАлистер точно был одним из первых и влиятельных пионеров стиля. В 1949 году он построил ресторан Bob's Big Boy. МакАлистер начал проектировать модные рестораны в Южной Калифорнии; хотя у него не было официального архитектурного образования, ему предложили стипендию в архитектурной школе университета Пеннсильвании из-за его уровня. МакАлистер разработал бренды для сети кофеен, изобретая новый стиль для каждого клиента, - это позволяло посетителям легко узнавать заведение еще с дороги. Наряду с МакАлистером, к архитекторам стиля гуги относятся Джон Лотнер, Дуглас Хоннолд и команда Луис Армет и Элдон Дэвис, создавшие компанию Armet & Davis в 1947 году. Среди дизайнеров, которые, использовали стиль Атомного Века в своих работах, есть довольно много выдающихся имён. В их число входят:
Чарльз Эймс
Рэй Эймс
Пьер Koening
Ричард Neutra
Ээро Сааринен
Фрэнк Ллойд Райт
Может быть, для непосвященных эти имена ничего не скажут, но их творчество заслуживает пристального внимания.
Дофольно интересный факт - «Атомный тренд» отразился не только в архитектуре. Он получил развитие в совершенно неожиданных областях. Фотообои с ядерными грибами нашли свое применение в оформлении внутренних интерьеров. Ядерные грибы удивительной красоты появились на одежде. В моей коллекции есть потрясающие экземпляры: майка с «грибом», и футболка, гласящая о том, что её владелец обеспечивает Атомный Коитус! Эти артефакты очень хорошо показывают культурную разницу между представителями СССР и США. В СССР вряд ли одели бы подобную одежду и вряд ли бы додумались произвести такую «прелесть». И фантазия не остановилась на этом. Ведь «атомным» должно было стать буквально всё, ну если не «атомным», то «космическим».
Этот сайт создан на материалах книги "Культура Атомного Века" М. В. Иванова- Ильина, вышедшей ограниченным тиражом и представляющей собой первую российскую попытку оценить культурное значение Атомного века ( Страничка автора на Литрес) Материалы сайта разрешается использовать только с указанием ссылки на сайт или на книгу
